JUGANDO CON MI CARA

Las siguientes imagenes forman parte de mi proyecto "Un solo gesto" , son bocetos, fotografías de mi rostro que posteriormente escogería para realizar el trabajo. Quizás para mí, me han parecido interesantes las que expongo a continuación.

Trabajo colectivo en la Facultad de Bellas Artes, Granada

Trabajo colectivo, en el cual intervinieron los alumnos de la asignatura de Transferencia Culturales, impartida por el profesor Xosé Freixanes.

Se trata de dos gigantescas jarapas, que nos recuerda a las alfombras voladoras de oriente.

Finalmente serán elevadas, en donde se alzarán con ella dos personajes, estos nos señalarán y nos darán la impresión de que nos observan

Estas jarapas han sido realizadas mediante tiras de tela de varios colores.
Los personajes que he comentado, se han fabricado con dos materiales, es decir, para el tronco y las extremidades se ha utilizado cinta adhesiva y para las manos y la cara venda de escayola.

Todavía no sabemos cuando vamos a exponer todo el conjunto, mientras tanto os dejo unas fotos de las jarapas ya terminadas

EXPOSICIONES VISITADAS, 2008/2009


Martha Rosler

Exposición en centro José Guerrero. Martha Rosler. La casa, la calle, la cocina. Del 29 de enero al el 12 de abril del 2009, Granada.

Descripción de la obra:

En la exposición del Centro José Guerrero, titulada La casa, la calle, la cocina, la artista neoyorquina Martha Rosler reúne una serie de fotografías, fotomontajes y videos cargados de conciencia social

En esta exposición observamos como esta ciudadana norteamericana está concienciada plenamente con los problemas actuales del mundo.

“Fotografías, collages, fotomontajes y piezas de vídeo, los cuales relacionas para provocar entre ellos una guerra en esta exposición divididas tres grandes bloques temáticos; la casa, la calle y la cocina y con ello denunciar el papel de la mujer en la sociedad a través de publicidad o los medios de comunicación o las injusticias y la destrucción”.

Análisis y crítica
Para poder analizar esta exposición y aclarar algunos aspectos, la debería dividir en tres partes, puesto que son fáciles de distinguir una de otra.

La primera, a mi parecer es donde mejor refleja Rosler, la sociedad en la que por desgracia vivimos hoy en día, llena de problemas, guerras... en lo que para ello usa unos fotomontajes muy acertados, mezclando imágenes de “ricachones” y un duro inframundo.

En segundo lugar nos encontramos con una serie de fotografías, las cuales nos llevan a una vida muy actual y muy contemporánea, en el que destaca lo estético, recordando a las grandes ciudades, las luces, lo que es un mundo sin preocupaciones.
Pero todo esto a la misma vez lo combina con un video en el que interviene ella en la cocina, un video en blanco y negro que contrasta con todo lo anteriormente descrito.
Aunque quizás a mi, me llamo más la atención otra obra que estaba expuesta en esta misma sala en donde combina lenguaje fotográfico con el escrito. Pero hablaré más tarde de ella.

En una tercera parte, Martha, expone otra vez una serie de fotomontajes en los que es fácil saber a que hace crítica, ya que usa el cuerpo de la mujer como en la actualidad se utiliza, es decir como una “mujer florero”
Quizás esta sala me recordara mucho a las obras de Sindy Sherman, puesto que los trabajos de esta artista están cargados de esta temática.

The bowery in two inadequate descriptive systems (The Bowery en dos sistemas descriptivos inadecuados), fotografías en blanco y negro, textos. 1974-1975.
Me voy a centrar en esta obra, que anteriormente he comentado, ya que me llamó la atención puesto que me transmitió muchas sensaciones.
Una obra en la que aparecen varias imágenes de escaparates, bares, pero todo dando una sensación de antiguo y cerrado lo cual te daba mucho que pensar en las cuales la artista interviene en cada imagen verbalmente como ya he dicho, añadiéndole palabras como por ejemplo: alcoholizado, borrachazo, borrachín, embriagado, alcohólico, como una cuba. Juegos de palabras, que leías y a la misma vez recreabas a un sujeto en la imagen.

“Se trata de la calle Bowery de Nueva York, después del cierre de los comercios, cuando cambian sus usuarios, que no son ya los consumidores si no los marginados de la sociedad. Los textos evocan los sonidos de los borrachos por los efectos del alcohol. Pero más que una metáfora poética lo que ofrecen es un híper-documento cuyo cometido principal es el de denunciar la explotación de la miseria callejera convertida en espectáculo”.


Tony Oursler

Exposición en el Instituto de América. Tony Oursler, Mirada pensante. Del 19 de diciembre del 2008 al 22 de febrero del 2009, Santa Fe (Granada)
Descripción de la obra
“Artista neoyorquino el cual para su trabajo se inspira en el cine, la televisión y los videojuegos. Se trata de una exposición escultórico-videográfica en la que el creador reflexiona sobre la percepción humana con elementos que toman como punto de partida algunas películas clásicas de terror”.
El artista exhibe en la sala 3 esculturas videográficas, además de dos vídeos de los años 80, y una treintena de dibujos
“Aunque la obra de Oursler se identifica ante todo con el vídeo y las instalaciones, se trata de un creador polifacético, que considera la tecnología un medio y nunca un fin. Su interés por la imagen del cine y la televisión ha estado siempre unido a su preocupación por el lenguaje y las diversas formas de expresión plástica”.
Análisis y crítica
Primeramente me voy a centrar en la parte escultórico-videográfica, quizás la más llamativa para mí. Tres composiciones diferentes en las que se proyecta un video en cada una, dando la sensación de que estas cobran vida. Pero lo que más llegaba a impactar de esa sala era el sonido, las voces que parecían salir de estos objetos, dando una sensación de película de terror. Me recordó a las típicas películas en las que parece que hay alguien atrapado y te pide ayuda pero al final es todo una trampa. Pues las miradas de cada proyección, parecían ese alguien que te pide ayuda pero luego las voces de cada una de ellas te daban esa sensación de pánico, de que todo era una falsa para atraparte a ti también.

Después se encuentran dos vídeos de los años 80, quizás de éstos, lo único que puedo objetar, y que por lo menos para mí sobraba, era el marco o más bien donde estaban situados estos dos vídeos. Ya que los vídeos eran de película de terror y le quitaba mucha importancia el marco que era lo primero que llamaba la atención, puesto que abultaba más que la propia pantallita y además con unos colores demasiado llamativos y dejaban el video en un segundo plano.
En una tercera parte se encontraba una serie de pinturas, las cuales, si te acercabas, parecían observar a ti, mas que tu a ellas, ya que eran muy abstractas pero a la misma vez le introduce muy bien partes humanas y otra vez daba la sensación de que alguien quería salir de allí.


Youniverse

Exposición en el Palacio Carlos V. 3º Edición de la Bienal internacional de Arte Contemporáneo. Youniverse. Del 3 de octubre de 2008 al 11 de Enero del 2009.

Descripción de la obra

La 3ª Edición de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla elige a Granada como nueva sede expositiva.
“Este año, la bienal de Sevilla ha decidido ampliar sus sedes expositivas eligiendo para ello la ciudad de Granada. El objetivo principal de esta edición es estudiar, a través de la representación artística, la interacción entre el hombre y las nuevas tecnologías”.
Se ha elegido Granada por el gran peso científico que tuvo en el periodo Al-andulus. Titulada “Youniverse” y con un formato totalmente interactivo, trae a la ciudad un total de 24 artistas y 40 obras de arte contemporáneo.
Análisis y crítica
Para analizar está exposición necesitaría una hoja para cada obra, ya que cada una de estas es de un artista diferente, y cada uno de estos trabaja de una manera diferente. Por tanto me voy a centrar en las que más, por lo menos para mí, tuvieran algo que debería destacar.
Olafour Eliasson. Dinamarca. TV-Lamp 2006.
Se trata de una instalación con forma esférica, que aparentemente, por lo menos en mi opinión recuerda a los árboles de navidad con muchas luces, pero conforme te vas acercando a ella vas escuchando sonidos que intentas descifrar y hace que te acerques aún más y escuchas muchas voces que te atraen para intentar entenderlas. Era como si la instalación por un momento te absorbiera y te encontraras y su interior rodeado de todas estas voces.



Jon-Ho Ji. Corea. Cyborg Lion 2006.
Una de las pocas instalaciones que no necesitaban de un mecanismo electrónico pero impresionante. Se trataba de un león que aparentemente se podría decir que era escultura normal y corriente pero conforme te ibas acercando se iban distinguiendo de que este estaba realizado mediante piezas de caucho de las ruedas de los automóviles.
Bong-Chae Son. Corea. Scent of Andalusía stone 2006.
Quizás para mí, una de las instalaciones mas expresivas de toda la exposición. Se trataba de un rinconcito que por si solo te invitaba a mirarlo tranquilamente y en el cual se podía observar unas rocas pequeñas rodeadas de flores robotizadas que se abrían y cerraban con mucha delicadeza y hacían que te sintieras relajado.

trabajos anteriores

Un solo gesto

Este trabajo propone demostrar como a partir de un gesto facial puedes cambiar el significado de una obra y más si es con tu propio cuerpo, es decir ese gesto facial será a través de mi rostro.

Las investigaciones precedentes han apuntado que es posible siempre y cuando el trabajo esté bien elaborado y con una idea clara, por tanto fue necesario una investigación que ayudó a esclarecer la situación actual sobre este tema.

El método seguido para ello fue, en primer lugar un estudio de artistas que ya habian trabajado con esta propuesta y en segundo lugar un análisis de cada obra que iba a realizar.

Aparte, puesto que iba a trabajar con los gestos vi oportuno hacer una breve aclaración de éstos, ya que los tenemos como un acto tan cotidiano en nuestras vidas que no nos paramos a reflexionar sobre ellos.

LOS GESTOS

Aunque el hombre lleva más de un millón de años utilizando este tipo de comunicación, ésta no se ha empezado a estudiar nada más que hace sólo unas décadas. El investigador Albert Mehrabian descompuso en porcentajes el impacto de un mensaje: 7% es verbal, 38% vocal (tono, matices y otras características) y un 55% señales y gestos.

El componente verbal se utiliza para comunicar información y el no verbal para comunicar estados y actitudes personales. Este investigador, Albert Mehrabian, afirma que en una conversación cara a cara el componente verbal es un 35% y más del 65% es comunicación no verbal.Muchos gestos utilizados son comunes en la mayoría de los países, aunque otros pueden significar cosas distintas dependiendo de donde estemos. Los gestos básicos suelen ser los que más universalizados están: mover la cabeza para afirmar o negar algo, fruncir el ceño en señal de enfado, encogerse de hombros que indica que no entendemos o comprendemos algo, etc. Otras veces, hay gestos que vienen heredados del reino animal, como puede ser enseñar los dientes en señal de enfado (agresividad). Aunque sepa que puede significar un determinado gesto, no caiga en el error de interpretarlo de forma aislada; es fácil que pudiera equivocarse. Los gestos se pueden fingir, pero no todo el cuerpo actúa de la misma manera. Las cejas, la risa, la pupila de los ojos y otros pequeños detalles seguramente nos delaten. Por regla general, cuando estamos mintiendo o forzando una situación, el cuerpo nos delata. Por eso las situaciones personales, se resuelven mejor cara a cara, que por teléfono y otro medio donde se puede esconder el cuerpo y perder una importante parte del mensaje (la parte no verbal)

ARTISTAS RELACIONADOS CON ESTE TRABAJO

Cindy Sherman

Cindy Sherman es una de esas personas que se ha ganado a pulso un hueco en el panorama artístico actual dado el interés indudable de su obra. La primera vez que vi una imagen de su obra, “Untitled” (98, 1982) no supe que pensar, se trataba de una muñeca de plástico algo grotesca con una postura que obligaba a pensar en sexo, dado que aparecía la vagina en un primer plano, pero en un sexo sucio, ridículo y asqueroso, alrededor de la muñeca aparecían trapos arrugados y manchados, indudablemente se trataba de una crítica, suponía que referente al machismo, pues el hecho de que la mujer apareciese representada por una muñeca y en esas condiciones, llegas a pensar en el prototipo “mujer-objeto” tan extendido en nuestra cultura.

Pero la teatralidad de la imagen era tal, que dudaba en cual podía ser la crítica o que pretendía Sherman decirnos con esa instalación, podía tratarse de una denuncia al maltrato de género, pero la cara de la muñeca no decía lo mismo, o bien podría hablarnos de un sexo basado en el interés, en una relación esporádica sin amor de por medio, esto me lo hizo pensar el hecho de que todo fuese tan artificial, tan “de plástico” parecía una Barbie convertida en objeto sexual o pornokit.

Pero cuando descubrí el trabajo de Sherman supe que aunque no estaba realmente equivocada, los conflictos que la artista pretende iban mucho más lejos y en ningún momento pretendían provocar una mirada de atracción hacia el sexo, sino todo lo contrario. Su obra es un gran trabajo sobre la imagen de la mujer como estereotipo cultural, que muestra a través de fotografías abordando cuestiones muy importantes que tienen que ver con el cuerpo, entendido como espacio en el que se van a poner en juego problemas ideológicos, pasionales y estéticos.

Las imágenes que ella realiza plantean un trabajo de deconstrucción de lo femenino y del rol sexual, así como del cuerpo humano. Sin embargo, las fotografías de Sherman poseen un poder de reconstrucción de un nuevo papel femenino a partir de las cenizas del antiguo modelo que además servirán de apoyo para una nueva visión donde la mujer ascienda a un lugar digno en el que siempre debería haberse encontrado.
Cindy Sherman, untitled film still, photograph, 1979
Sherman utiliza al cuerpo como espacio de discusión y de “tensión sexual”, donde el deseo y la reivindicación feminista marcan el punto de despegue para la construcción de una nueva mujer. Como ya he dicho anteriormente, la mayor prioridad de su trabajo se basa en criticar los “roles” que se le han atribuido a la mujer de forma tradicional al tiempo que propone una reinterpretación del papel que se le ha atribuido en los textos históricos y artísticos.
El hombre proyecta en la mujer sus fantasías y deseos de una forma casi inconsciente, esta situación convierte a la mujer en una especie de objeto frágil y vulnerable que al verse intimidada por la mirada del hombre pone todo bajo su control, esto es lo que Cindy Sherman nos presenta como forma de pérdida de identidad en la mujer provocando una cierta tensión en las miradas del espectador.
Personalmente creo que la intención de Sherman es promover una lucha de la mujer contra esos roles y contra ese miedo o pérdida de identidad de la mujer sometida a la mirada del hombre. Nos presenta varios deseos, el deseo perverso de ser o no una mujer ideal, ligado literalmente a la fama, el deseo morboso de ser siempre la otra y el deseo situado en el vacío, en la ausencia total.
Sherman se enfrenta e invita a enfrentarnos a la deformación, a la que los más han contribuido al comercio sexual en la mujer y a convertir a ésta en un ser sin personalidad obligado a ser perfecto y estar en el punto de mira aunque tenga que someterse a experiencias que no sean de su gusto.
A Sherman también se le conoce como la mujer de la metamorfosis por una serie de fotografías en las que aparece disfrazada de los prototipos establecidos de mujeres esclavizadas por ser mujer, como amas de casa o prostitutas, un papel del que la mujer necesariamente debe de huir.
Sherman denuncia en lo que el sexo se ha convertido, en algo objetual y artificial.
Aunque la mayor protagonista de sus retratos sea ella, la artista asegura que en ningún momento aparece retratada en su obra, pues ejerce papeles de los que nunca formaría parte, por tanto la artista interpreta un papel de actriz en el que el disfraz se convierte casi en una obsesión.
En otro de sus trabajos habló sobre la basura del mundo tomando ésta como reflejo de la sociedad la cual la crea. En sus obras observamos una fotografía muy pictórica como apreciamos en su serie “Imágenes de Terror” en las que nos presenta rostros monstruosos y crueles, fetiches que muestran lados obscenos de la persona, rostros de las pesadillas más horribles, y todo ello con los colores de la tragedia.
Creo que el lema de Cindy Sherman debe ser “El arte no salvará tu vida, pero te ayudará a cambiarla y entenderla”.

Samuel Fosso



Otro artista del cual vi importante hablar y lo relacioné con mi trabajo, ya que a partir de sus imágenes fotográficas nos cuenta una historia en el que se incluye, es Samuel Fosso.

Lo primero que piensas al ver sus imágenes, es que son escenas teatrales, como por ejemplo la imagen que expongo a continuación, ya que yo la interpreté como un señor que aparecía rodeado por un decorado, pero por un decorado muy poco cuidado, además se trataba de una foto en la que un hombre de color negro ( el mismo artista) imitaba un papel de un señor de clase alta jugando al golf, muy sonriente, yo capté la esencia de la crítica pero la orienté más hacia la artificialidad de la clase alta y su estúpido interés por aparentar o hacia la lucha que muchos ecologistas mantienen contra los campos de golf y su desorbitado consumo de agua, esta última la deduje por el decorado artificial de plantas de plástico y césped de alfombra. Aunque mi idea de crítica se alejaba un poco de lo real, lo cierto es que si se trataba de una crítica pero de algo mas social que lo que se me había pasado por la cabeza.

Samuel Fosso es un camerunés nacido en 1962 su principal temática es el juego de disfraces que realiza usando su propia imagen para denunciar la falsedad de su sueño, en la foto que comento se muestra de forma descuidada como un americano con poder adquisitivo. En su trabajo lucha por salir de la identificación estereotipada africana para reconocerse como un artista global. Es disminuido físico, lo que de pequeño, cuando vivía con su familia le ocasionó varios problemas que como podemos ver han afectado en su forma de trabajo.
Cuando él era pequeño, era difícil conseguir una fotografía, pero cuando surgía la ocasión de hacerse un retrato familiar, la madre del artista, le pedía que no apareciese en la foto, ya que éste la entristecería con sus prótesis en las piernas.
Una Guerra acabó con la vida de sus padres y Fosso se fue a vivir con su tío que le regaló una cámara de fotos con la que el joven comienza a ganarse la vida.
Más tarde se inició en el autorretrato para contarle su vida cotidiana a su abuela, que vivía en Nigeria. "Era un modo de decirle que estaba vivo y era feliz." Y un buen día, le llega la suerte y unos señores que buscaban nuevos valores artísticos topan con él por el que apostarán. A partir de ahí su vida cambia y hoy en día está considerado como uno de los mejores fotógrafos africanos.

En sus autorretratos, Fosso caracteriza a líderes e intelectuales africanos o afrodescendientes y convence de ser otro cuando en verdad nunca deja de ser él mismo, usa caracterizaciones por las que a veces trabaja duro durante meses.

Fosso está a la vanguardia de la fotografía artística mundial en sus imágenes una carga estética y otra política. Su obra es muy singular en un continente que genera en los fotógrafos occidentales los clichés de las guerras, las tribus, los leones y las jirafas retratados hasta la saciedad. "Da la impresión de que para los europeos y los norteamericanos la vida cotidiana de los africanos no existiera", afirma Fosso. Y sintetiza: "Yo soy africano, pero mi trabajo es universal

Angeles Agrela

Un trabajo que, a través de obras fotográficas, vídeos y dibujos que guiñan al subterráneo mundo del cómic, las películas de acción y sus bandas sonoras, reflexiona sobre los paralelismos entre los artistas de carne y hueso y los superhéroes de ficción, es el que nos muestra Ángeles Agrela.

Ángeles se acerca a artistas y superhéroes para ironizar sobre “algunas de las cosas que nos identifican socialmente en un lugar común donde, en la versión más romántica, confluyen la excentricidad, la exclusión, la vida atormentada y la autodestrucción”. A partir de ahí, la capacidad que hace que uno sea héroe o artista viene dada por el destino. “En las historietas que más me interesan”, dice Ángeles, “los héroes tienen una vida normal bastante atormentada, tienen que trabajar para poder vivir, mantienen relaciones sentimentales casi imposibles y les gustaría poder comprometerse con todo eso. Sufren grandes crisis y, sin embargo, finalmente tienen que seguir su destino y usar su poder”. Igualito que un artista.
Quizás haya elegido a esta artista por la relación de su trabajo con el mío, ya que ella misma es un elemento principal de su obra, pero lo que más me llamó la atención de ella es esto último, en donde ella afirma que, ya no es solamente que ella intervenga con fotografías con su rostro en su trabajo, sino, que interviene con su propia vida, y para mí es algo que aprecio puesto que de gran valentía poder expresarte y hablar de tu vida, de tus temores y sobre todo exponerlos, cosa que a mí personalmente me cuesta mucho y te queda ese remordimiento por dentro que no puedes sacar a la luz

Ana Laura Alaez

Una artista que he visto también relacionada con mi trabajo es esta chica, Ana Laura Alaez, la cual hace arte con su propio cuerpo y mediante fotografías Me ha agradado su forma de plasmar la realidad un tanto pseudo erótica, rozando el fetichismo a veces.
La multidisciplinaria artista Ana Laura Aláez, nacida en Bilbao en 1964, es una de las artistas contemporáneas más completas y de mayor renombre dentro de España principalmente, aunque sus mejores y más reconocidos trabajos sean en su mayoría fotografías.
Se define como una “arquitecta de emociones“, ya que las expresa de la manera que cree más conveniente, transformando toda su vida en arte. Su sentir queda plasmado siempre en una escultura, una fotografía o una instalación, donde se puede comprender muy sencillamente lo que desea expresar.

Quizás su aspecto más positivo es que le gusta innovar e investigar nuevas facetas del arte, encontrándose siempre en búsqueda de nuevos medios por los cuales expresarse, que abarcan desde los mencionados anteriormente, hasta en una nueva muda de ropa acorde a la ocasión.
Pon en una coctelera la música, la moda y los pubs y ahí tendrás a Ana Laura Aláez.
A mí personalmente me gusta. Rompedora en cuanto a espacios expositivos, transgresora dulce con una manera muy personal de ver el arte. Se vende, sabe vender y sabe reconocer que vende.
Me llamó la atención una frase que dijo en una entrevista: "Yo creo que no hay que entender el arte: hay que sentirlo."

DESCRIPICIÓN DE OBRAS PERSONALES

Primera obra:
“El Beso” de Gustav Klimt

Para la realización de la primera obra parto de la pintura de Klimt “El beso”.
He elegido la obra de “El beso” porque la historia que se esconde tras esta pintura, ese beso entre las dos figuras, me parece muy misterioso, por un lado es la historia de amor de dos amantes, pero existen ciertos puntos de inflexión que hacen intuir que se esconde algo más, es una obra llena de ambigüedades y de complementaciones; como por ejemplo la posición del cuello de las figuras al besarse, el rostro de la figura femenina, el abismo inmediato a ellos…

En realidad podría haber trabajado con cualquier obra de este artista, como “Judit y Holofernes” o “Las edades de la mujer” entre otras cosas, pero ha sido la ambigüedad de esta obra y las posibilidades de sus distintas interpretaciones lo que me ha impulsado a trabajar con ella.

Un aspecto que me parece muy interesante para trabajar con esta obra es que la interpretación de esta puede ser abierta, no tiene un significado claro y resulta misterioso.

Ante esta obra se pueden plantear distintas preguntas e interpretaciones ¿esos cuadros masculinos complementan o son antagónicos con los círculos femeninos? ¿La interpretación de la mujer se puede interpretar como resignada, o como entregada a la iniciativa del hombre? La posición de las manos y de los pies de la mujer ¿transmite placer o están contraídos por la ira, por la distancia que sufre? Klimt presenta aquí dos contradictorias visiones y son ejemplo de su ambigüedad: a la vez de una imagen simple y pura del amor transmitida por un beso en un contexto ideal, una segunda interpretación muestra una situación ambigua, incluso forzada y de aparente distanciamiento entre las dos figuras.

Objetivo y/o hipótesis

Primeramente y tras un estudio de la obra de “el beso”, lo que me planteo en mi proyecto es quedarme con lo esencial de la obra, desde un punto de vista personal, como el color dorado que envuelve a las figuras y las funde en un abrazo, los símbolos, es decir sintetizar todas las formas a través de un estudio.

Por otro lado también me interesa mantener la composición que marca la verticalidad de la obra, ya que hace que nuestros ojos se dirijan en la masa que funde a la figuras, terminando con el precipicio. Desde mi punto de vista, esta disposición de las formas marca una gran tensión y me parece que se debe mantener.

Una vez analizada la obra y escogiendo bien lo que me interesa intervendría, mí imagen dándole otro significado a la obra, un significado muy diferente al que te da la propia obra de Klimt.
Después de leer varios libros de este artista y buscar bastante información me llamó mucho la atención este comentario de un crítico de arte Franz Servaes:
“Aquí, él estaba rodeado de criaturas femeninas, desnudas y misterios, que, metras el se mantenían en silencio frente a su caballete, se paseaban por el estudio, desesperándose holgazaneando y; siempre preparadas para responder a una señal del maestro y permanecer quietas en el momento en que el captase una pose o un movimiento que atrajera su sentido de la belleza para plasmarlo rápidamente en un dibujo”.

También he podido leer que solo le interesaba pintar a las mujeres y las tenia siempre a su disposición, lo que quiere decir que él le pagaba, incluso se llego a decir que se acostaba con ellas. ¿Se ha pensado alguna vez cual eran los sentimientos que tenían esas chicas? Le gustaba hacer ese trabajo, a lo mejor para cobrar más le obligaba a masturbarse delante de él, ya que la obra de Klimt posé dibujos de chicas haciendo este acto.¿ Por que no pintaba a un hombre haciendo lo mismo?
En el cuadro “El beso” nos refleja como no le interesa el rostro del hombre, solo de la chica, a ella la hace mas débil, representa a la mujer de una manera inferior al hombre

Por lo tanto quiero transmitir los sentimientos que podían llegar a tener aquellas chicas, quiero darle otro significado a ese cuadro.

Una vez analizado todo lo anterior dicho, quedándome con la misma esencia del cuadro verdadero de Klimt y con su historia solo me queda introducir mi rostro con un gesto personal, un gesto en el que me pongo en la piel de esas chicas, siendo el objetivo cambiar el significado del cuadro.
Con ese gesto quiero conseguir que la chica tenga una expresión de asco, de repulsión hacia este hombre que la coge y que se siente superior a ella.
También se podría entender como una crítica a la actualidad puesto que es lamentable que en los tiempos que vivimos aún siga viendo mujeres bajo el mandato de los hombres, un papel, del cual como afirmaba Cindy Sherman la mujer debe huir

Procedimiento experimentación y materiales

Para la realización de mi obra comencé partiendo de la obra original, sintetizando formas y buscando la esencia. Esto me llevó a centrarme en la forma dorada, en las dos figuras que se funden en un intenso abrazo. En la obra se encuentra por un lado la naturaleza, por otro las dos figuras que se funden en un beso y el abismo. Estas dos figuras se encuentran envueltas por un manto dorado, esta tela presenta una ornamentación modular a base de círculos y cuadrados que se repiten. Se puede apreciar que los motivos ornamentales que dibujan el cuerpo del hombre son cuadrados y lo de la mujer redondos, dándonos a ver la complementariedad y la oposición del hombre y la mujer.

Klimt también destaca por su interés artesanal, por eso decidí también incluir en la obra papeles superpuestos. Me parece una forma de introducir en el cuadro un componente sutil que le da vitalidad y dinamismo a la forma estática y dorada central.

Para introducir mi cara me basto con una fotocopia de ella y después fue intervenida por pintura acrílica para asemejarla al color de la obra original. Dando finalmente el siguiente resultado:




Segunda obra:
“Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar” Salvador Dalí

Para mi segunda obra he escogido a Salvador Dalí y su obra el “Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar”

Al contrario que mi anterior obra, que trataba sobre la historia del cuadro, el misterio que oculta el cuadro del beso, esta de Dalí la he escogido por algo más personal, ya que hace cuatro o cinco años, cuando empezamos a adentrarnos en este mundo del arte me interesó mucho la obra de este artista, puesto que eran imágenes que se reconocían los objetos pero yo en aquel instante no llegaba a saber lo que me quería transmitir este artista.

Indagando en su obra lo primero que te explican y llegas a entender es que sus cuadros tratan del tema del sueño por lo tanto igual que en el anterior trabajo podría haber escogido cualquier obra de este artista como “El gran masturbador” ó “Leda Atomica”

Pero me interesó más la obra el “Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar” porque una vez adentrada más con más profundidad en este artista descubrí que está chica que aparece en esta imagen era su esposa y que entre él y ella había una historia preciosa.

Objetivo y/o hipótesis

Primeramente y tras un análisis de la pintura de Dalí el “Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar” lo que me planteo es quedarme con esa imagen, es decir, no me interesa cambiarla o quedarme con lo esencial de la obra como en la imagen del “Beso” de Klimt que destacaban lo colores dorados. En esta imagen de Dalí solo me interesa dale otro significado a la obra ya que en el momento que cambiara otro aspecto del cuadro le quitaría importancia al gesto de la chica.
Una vez analizada la obra intervendría con mi imagen, dándole otro significado a esta imagen tan popular de Dalí.
Tras un estudio de este artista y tras buscar bastante información me interesó mucho unas afirmaciones que hizo el propio Dalí:
“Los comienzos de mi relación sentimental con Gala se distinguieron por un permanente carácter de anormalidad enfermiza y por síntomas psicopatológicos muy claros y precisos. Mis ataques de risa que habían sido eufóricos y sintomáticos de un estado prehistórico que me alarmaba ya pese a la manifiesta complacencia en mi mismo que continuaba al periodo infantil se acentuaba co la delirante ilusión en que me hallaba de que Gala era la misma persona, convertida en mujer que la niñita de mis “falsos recuerdos” y a quien, al narrárselos llamaba Galuchka, diminutivo de Gala.
Nunca en mi vida “había hecho el amor” y me representaba como este acto terriblemente violento y desproporcionado a mi vigor físico: “aquello no era para mí” Aprovechaba todas las oportunidades para repetir a Gala, en tono de obsesión que la irritaba visiblemente, ante todo recuerdo que nos prometimos no lastimarnos nunca.
Dalí nos narra sus problemas psicopatológicos, pero a mi lo que mas me interesó es la frase siguiente:
“El amor también me había servido me había curado de cercana locura y lo adoraba hasta el extremo de volverme loco”.
Digo que me interesó, puesto que para mí, es una de las cosas mas especiales que puedes hacer en esta vida, ayudar a un ser querido a salir de una enfermedad. Gala se convirtió en la Gradiva de Dalí que para Freud era la alegoría de la curación terapéutica. Es mas, Salvador mitificó: “Ella ha construido todo el éxito de mi vida”
Creo que Gala se tuvo que sentir muy agradecida puesto que aparte de ayudar a Salvador Dalí a salir de esa “locura”, éste se lo agradeció públicamente, además de tomarla a ella como musa en sus obras.
Después de analizar todo esto, elijo precisamente esta obra de Dalí porque por primera vez pone en imágenes el descubrimiento de Freud del sueño típico de larga fabulación argumental, consecuencia de la instantaneidad de un accidente que provoca la despertar. Y para llegar a todo ello se inspiró en que a Gala, su esposa, la había picado un insecto. Me parece increíble la genialidad de Salvador Dalí para pensar en como podría representar la picazón de un insecto y a la vez crear una verdadera obra de arte.
Si yo me pongo en el papel de Gala no me queda otra que sonreír, puesto que mi marido, esta persona a la que yo tanto he querido, me ha agradecido que lo curara de su enfermedad, me ha escogido como su musa y es más la primera vez que pone en imágenes el descubrimiento de Freud me representa a mí.
Pienso que Gala tenía motivos suficientes para sonreír y todo esto es lo que quiero llevar a la obra.

Procedimientos experimentación y materiales

Para la realización de esta obra, partí de la obra original. Centrándome primeramente en el fondo para que diera ese aspecto de profundidad como Dalí le da a su obra.
Tras esta representación del fondo intervine a modo collage con las figuras que representan la obra. No me interesaba añadirle elementos de más, puesto que en esta obra mi cara aparece demasiado pequeña y le podría quitar protagonismo como ya he dicho anteriormente.
Una vez pegadas estas imágenes le apliqué una mano de cola a todo el cuadro para que todo fuera uniforme y el papel se hiciera más resistente y más tarde intervenirlo con acrílico para que aún diera un aspecto más pictórico
En este caso mi imagen la introduzco mediante el programa photoshop, dando un aspecto más real, y seguidamente fue intervenida con acrílicos. Siendo el resultado el siguiente:

Tercera obra:
“Duquesa de Alba de luto” Francisco de Goya

Quizás, actualmente al decir Duquesa de Alba nos vayamos a esta mujer que últimamente está saliendo tanto en la prensa por sus relaciones sentimentales, a las que le están dando mucho nivel los medios de comunicación, puesto que esta mujer tiene ya una edad de unos ochenta años y quería contraer matrimonio con un hombre al cual ella le sacaba una décadas. En fin, esto sería otra historia….
Yo me voy unos cuantos siglos a atrás, a la época del romanticismo, a la época de Goya y con otra Duquesa de Alba, la cual creo que en aquella época dio también mucho que hablar.
Hay varios retratos de la Duquesa de Alba realizados por Goya, pero he elegido este, de la duquesa con el luto de su marido puesto que hay una serie de historias de ella y el pintor, las cuales le podrían dar un significado muy diferente a la obra.
Goya conoce en 1794 a la duquesa de Alba, llamada María Teresa Silva Alvarez de Toledo la cual enviuda en 1796 y ese mismo verano lo pasa con el pintor.
El 6 de febrero de 1799, Goya termina una serie de 80 grabados, llamada los Caprichos, que vende a 320 reales. Goya, en esta serie, hace algunas referencias a la duquesa. Aquella es representada como una mujer caprichosa e inconstante en el amor. Por esta razón, principalmente, la Inquisición manda retirar estas estampas.

Yo creo que esta imagen, en la cual sale la duquesa de luto, quiere dar con ella un estado de angustia, de perdida de un ser querido pero pienso que lo hacia para confundir a aquella gente de aquel tiempo ya que en verdad todo apunta a que tuvo una relacion sentimental con el pintor.
Goya con sus obras hacia crónica de su época pero en este creo que se equivocó.

Objetivo y/o hipótesis

Tras el estudio de esta obra me planteo llevarla a cabo con lo mas característico de ella, es decir, voy a darle importancia a ese luto y a la misma vez le voy a dar otro sentido con mi rostro.

Pienso que el luto de esta imagen es poco verdadero puesto que la duquesa sentía gran atracción por Goya por lo tanto quiero cambiar su aspecto y representarla con un expresión de cara, la cual tendría seguro si se hubiese podido hacer una fotografía de sus sentimientos.
Una imagen sencilla, nada más que con una cara no muy apropiada y que hay que cambiar. Una vez llegados a este punto me toca introducirme en esta obra y cambiarla totalmente con un gesto de mi cara, en este caso como no podía ser de otra forma le voy a dar a la duquesa una expresión de atracción hacia Goya.

Procedimientos, experimentación y materiales

Para realizar esta obra, al igual que en las anteriores, comencé partiendo de la obra original.

Lo primero fue pintar el fondo para darle el aspecto de la verdadera obra de Goya.
A continuación pegué las imágenes con cola como en el cuadro de Dalí y una vez uniformado todo acentué el luto de la duquesa, como ya he dicho antes, con tela negra.

Mi cara la introduje a través del photoshop. Y utilicé diferentes materiales: un lienzo de 116x89 centímetros, acrílicos, cola de carpintero transparente, tela…

Finalmente el resultado fue el siguiente:

Segunda serie

Primera obra: Dominantes

En esta segunda serie continuo elaborando obras en las que parto de los gestos.
En el segundo cuatrimestre del curso empezamos con una asignatura nueva “Transferencias Culturales”, con el profesor Xosé Freixanes. Esta asignatura nos da nuevas ideas para avanzar en el curso y pienso que también en la vida puesto que nos aporta conocimientos sobre el mundo en el que vivimos, hablándonos de la globalización, y de cómo la política y la economía nos afecta a todos y en todo. Todos llegamos a la conclusión de que vivimos en un mundo, el cual está fundamentalmente limitado por estos dos términos: Política y economía.
Pero como dice el dicho: “El mundo está muy mal repartido”, y la mejor parte siempre se la llevan los mismos. Quizás esto me dio pie a mi siguiente obra.
Volviendo a retomar el tema de los gestos voy hablar en esta ocasión de las manos. Flora Davis nos habla en su libro,”La comunicación no verbal”, de que las manos son otro punto importante a tener en cuenta dentro de la comunicación no verbal, puesto que aunque la mayoría de las personas son conscientes del movimiento de las manos de los demás, lo ignoran, dando por sentado que se tratan de gestos sin sentido. Sin embargo, los ademanes comunican: a veces esclarecen el mensaje hablado poco claro, y otras veces revelan emociones de manera involuntaria. Cada individuo posee su propio estilo de gesticular, y en parte, el estilo de una persona refleja su cultura. De la misma manera que cada cultura posee su propio estilo de movimientos característicos
Al estar indagando sobre el significado de los gestos, di con uno que me interesó para este trabajo: El gesto dominante. ¿Quién domina en esta vida? ¿Quién ha dominado este año tan marcado para la sociedad por la tremenda crisis? Desde mi punto de vista dominamos todos, todos necesitamos de todos.
Los gestos son una manera más de comunicarse como ya he hablado en varias ocasiones anteriormente. No se pueden evitar y envían constantemente mensajes de forma inconsciente. Las manos hablan incluso cuando están quietas.
De esto trata mi siguiente obra, de manos quietas, con las palmas hacia abajo, abiertas, cuyo significado es el de dominantes.


Objetivo y/o hipótesis

Estas manos como ya he dicho tienen un gesto y este gesto tiene un significado: Dominar.
Cada plano de color significará una raza. El hecho de hacer cuatro es porque ninguna raza es más que otra, pero si que compenetran entre sí y necesitan una de la otra para funcionar y dominar por igual, es decir todos somos iguales, nadie domina más que nadie.
Me hubiese gustado seguir por este camino, en el que poder expresar lo que pensamos de la sociedad en la que vivimos. Aunque nunca es tarde y quizás más adelante lo retome de nuevo.

Breve descripción de la obra de Flora Davis “La comunicación no verbal”

Flora Davis, la autora de este libro, nos transmite todos sus conocimientos adquiridos de la investigación en el campo de la comunicación no verbal.

Gracias a muchos investigadores especialistas en diversas facetas de la comunicación no verbal, Flora Davis, nos intenta explicar desde un punto de vista menos científicos, con ejemplos del día a día, los temas de los que a ella le parecen más interesantes.

Comienza aclarando que la comunicación verbal no sería nada si no estuviese acompañada de la comunicación no verbal, puesto que ésta apenas engaña, mientras que la verbal puede verse influenciada por los intereses de la persona. En cambio, todo lo que engloba la comunicación no verbal: gestos, mirada, expresiones, etc. es muy difícil de ser manipulado por el locutor.


Mostrar las palmas de las manos es otro gesto propio del galanteo, pero que en la vida cotidiana uno solo es consciente cuando no se realiza.
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Gracias a este sistema se ha contemplado lo repetitivo que es el movimiento del cuerpo humano.
Otro de los descubrimientos importantes que comenta el libro es que algunas veces, el comportamiento no verbal, contradice lo que se está expresando, y no subrayándolo.
Una de las ideas más revolucionadora que aparecen en este libro, es lo que dice el doctor Birdwhistell, que considera que nosotros adquirimos nuestro aspecto físico y no hemos nacido con él. Por eso explica que algunas personas de cierta región se parezcan tanto. Y también porqué marido y mujer se parecen a lo largo del tiempo.
los animales salvajes se saludan entre sí, y los simios lo hacen de manera muy similar a la de los hombres.

OPINION

Para aquellos que estén interesados en la comunicación no verbal pienso que es un libro interesante puesto que cuenta avances e investigaciones actuales detalladamente dentro de este campo.
Quizás me llamó más la atención una de las técnicas que Flora Davis recoge en su libro. Una cinesis que consiste en grabar a las personas mediante un video mientras mantienen una conversación y luego las examina detenidamente a cámara lenta y descomponiendo las imágenes en unidades menores, para observar la relación que existe entre los distintos movimientos y el contexto en el que se mueven.

Segunda obra: ¿Te comunico? y tercera obra: Mis caras


El rostro humano permite realizar multitud de gestos, éstos pueden mezclarse con otros.
Los investigadores de la comunicación no verbal, están bastante interesados en descubrir a través de los gestos cuando una persona miente, se enfada, se entristece… Se demostró que hay ciertas personas que no se les nota aparentemente sus sentimientos, otras sin embargo, a través de sus gestos, mostraban claramente su estado de ánimo.

El cuerpo humano emite constantemente mensajes; mensajes que unas veces ratifican y otras contradicen a la expresión verbal. El libro “Hablando entre líneas” de Julius Fast, nos habla de una nueva ciencia llamada kinesica hace hoy posible interpretar estos mensajes, gestos y movimientos del cuerpo humano, que son la proyección de los mas escondidos pensamientos y deseos.
En el libro de Flora Davis, comentado anteriormente, también se estudia intensamente las miradas. La mirada fija y sostenida es una forma de amenaza para muchos animales, así como para el hombre. En todas las culturas, la mirada fija es desaprobada, aunque algunas son más estrictas que otras. Esto es debido posiblemente a que el contacto ocular nos hace sentir abiertos, expuestos y vulnerables.

Existen pruebas de que cuando una persona mira algo que le agrada, las pupilas se dilatan.

Todos sabemos que el arquear las cejas indica sorpresa, que las manos entrelazadas indican reposo, que el constante movimiento de los pies indica nerviosismo

Mis siguientes obras están relacionadas con esta multitud de gestos que el rostro humano permite realizar.

Se trata de diferentes gestos realizados con mi boca y mis ojos, con los que expreso diferentes sentimientos.

PRIMERA OBRA: ¿Te comunico?

SEGUNDA OBRA: Mis caras

Como ya he comentado antes, Flora Davis realiza una cinesis en la cual graba a las personas mediante un video mientras estas mantienen una conversación y luego las examina detenidamente a cámara lenta y descomponiendo las imagenes en unidades menores.

Flora Davis afirma que los gestos, posturas, etc. exteriorizan lo que cada locutor siente y piensa realmente y acontecen en un tiempo apenas perceptible para el consciente de nuestro cerebro. Sólo analizándolo en películas pasadas a plano lento, el experto en cinesis podrá captar y percibir la comunicación no verbal que está existiendo en ese momento.

Yo he analizado los siguientes vídeos para comprobarlo.















BIBLIOGRAFÍA UTILIZADA


-Varios de autores, Gustav Klimt. Editado por Ediciones del Serbal, S.A. para ediciones del Aguazul, Barcelona, 2005.

-Ángeles Agrela. La elegida, perdida sola letal… entre la belleza y la desesperación, ediciones Naomy.

-Luis Salvador López Guerrero, La cara oculta de Salvador Dalí. Editorial: Síntesis

-Varios autores. Cindy Sherman, Museo Nacional, Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. Editor: Publisher, edición 5650

- Davis, Flora. La comunicación no verbal. Editorial: Alianza, Madrid, 1998

- Fast, Julius. Hablando entre líneas. Editorial: Kairos SA.

-http://www.imageone.com/goya/index1.html

-http://www.nodo50.org/tortuga/Ángeles-Agrela-y-los-superhéroes

-http://www.artespain.com/21-04-2008/pintura/biografia-de-ana-laura-alaez


-http://www.bbc.co.uk/bbcfour/documentaries/features/samuel-fosso.shtml.


-http://personal.telefonica.terra.es/web/jack/dali/biogra.htm


- http://www.phistoria.net/reportajes-de-historia/GOYA-&-LA-DUQUESA--DE--ALBA_101.html


-http://www.masdearte.com/biografias/articulo/biografia_sherman_cindy.htm


-http://www.artelista.com/1137-gustav-klimt.html